MONDAY, MONDAY: Diez canciones, veinte versiones – Baladas de los 60 (1)

Ya era hora de que una nueva entrega de Monday, Monday hiciera acto de referencia y de homenaje exclusivo a la década de los sesenta y su música, en especial sus baladas.

Una aclaratoria inicial: deliberadamente quedaron fuera grupos que por su pertinencia e importancia tendrán entregas dedicadas exclusivamente a ellos: The Beatles, The Rolling Stones, King Crimson, Pink Floyd, The Who, Steppenwolf, The Doors, o Cream, son algunos ejemplos. También individualidades que si bien merecen reconocimiento, no fue la balada el tipo de música que los caracterizó, como Jimi Hendrix, o  festivales que quedaron sembrados en la historia, como Woodstock o Monterrey. Como otros pueden hacerse la misma pregunta que me hizo un amigo, Janis Joplin y Joan Baez también tendrán su entrega especial. 

Las baladas seleccionadas se caracterizan por haber sido canciones cuyo impacto fue más allá del ascenso en las listas de ventas; podría afirmarse que son ejemplos particulares y emblemáticos de lo que fue un movimiento de cambio pocas veces visto, antes o después, en la historia de la humanidad.

Luego de los sesenta, nada sería igual. En el cine, en la política, en la música, en las relaciones sociales, en la economía. Todo cambió. Cada sociedad recibió el impacto, y cada una lo asimiló como pudo. Los sesenta fueron años excitantes, sorprendentes, influyentes y creativos. Es como si la palabra CREACIÓN hubiese adquirido un significado y un empuje especiales.

Fueron tiempos de faldas más cortas  y cabellos más largos, y en los cuales la juventud rechazó la forma –convencional, conservadora, materialista e hipócrita- en que muchos adultos veían la sociedad, sus actitudes y valores. La vida era un guión predeterminado del cual no se podía salir. La generación «Beat» (que tuvo una de sus guías en la novela de Jack Kerouac «On the Road»), la generación de los «Angry Young Men«,  ambas expresiones de los cincuenta, fue seguida en los sesenta por una reacción total contra el concepto tradicional de autoridad.

Como el poster que se puede ver al comienzo, los sesenta significaron una explosión del color, de la imagen y de la forma: Recordemos a modelos como Jean Shrimpton, o Twiggy; a actrices y actores como Julie Christie, Samantha Eggar, Julie Andrews, Albert Finney, Steve McQueen, Ursula Andress, Anita Ekberg, Jack Nicholson, Alain Delon, Anouk Aimee, Jean Louis Trintignant. 

Las artes mostraron esa explosión en todas sus expresiones: la pintura, la escultura, la danza, como asimismo la moda, pero la música fue quizá la que tuvo una expresión más contundentemente universal. Incluso versiones que podrían considerarse más convencionales implicaron cambios significativos.

Para el tema que nos ocupa hoy, la música popular, la década fue inolvidable. Las canciones escogidas pusieron con sus palabras y su música a todo el mundo a cantar y a bailar, como nunca antes se había hecho; son ejemplos de una nueva poesía, de una nueva estética.

Antes de 1963, la música todavía reflejaba el sonido y el estilo de la década previa, y muchas de las canciones exitosas eran de artistas que venían de los cincuenta, como Ray Charles, Elvis Presley o los Everly Brothers. Sin embargo, se anunciaban cambios tímidos, como la llegada del Twist. Los cantautores eran escasos; las compañías discográficas tenían grupos de compositores que escribían los hits (de allí saldrán, entre otros, Neil Diamond y Carole King).  A partir de 1963 -año de aparición de The Beatles- la influencia de los sucesos de la sociedad afectaron asimismo la música popular para siempre. El asesinato de ambos hermanos Kennedy, la guerra de Vietnam, las rebeliones estudiantiles de Mayo del 68, la lucha por los derechos civiles en EEUU, el nacimiento de nuevas naciones que habían sido colonias de imperios en decadencia, todo jugó su papel en el nuevo escenario vital.

Se produce, encabezada por The Beatles, la llamada «invasión británica», junto a la respuesta norteamericana, con nuevos compositores como Bob Dylan, Joni Mitchell, John Phillips o Paul Simon, la aparición de Motown, y su impulso del R&B; la música folk, junto a la canción de protesta, o las diversas mutaciones del rock and roll, como el Twist, el Surf, el hard rock. Un momento central se da en el llamado «Summer of Love», el verano del 67, cuando la costa Oeste de los Estados Unidos, en especial la ciudad de San Francisco, se convierte en la Meca de la llamada contracultura. Luego, en el 68, ocurrirán los asesinatos de Robert Kennedy y de Martin Luther King. La vida era mucho más compleja que el slogan paz y amor. En el 69 se da el fenómeno del festival de Woodstock, donde esperaban a 40.000 jóvenes y llegó casi medio millón. El hombre arriba a la luna, pero también ese año morirán por sobredosis de droga Brian Jones (guitarrista de los Rolling Stones), Jimi Hendrix y Janis Joplin. En 1970, al comienzo de una nueva década, The Beatles conmocionan el mundo de la música cuando anuncian su división. 

Permítanme este pequeño contrabando: Si hubiera que seleccionar una canción-himno de lo que significaron los sesenta, «San Francisco» (compuesta por John Phillips, líder de «The Mamas & the Papas»), y cantada por Scott McKenzie, es una elección natural. Su letra atestigua esos tiempos («Si vas a San Francisco, asegúrate de llevar una flor en el cabello.»):

Por ser una década tan rica, es evidente que el formato de cinco canciones usado hasta ahora era muy chico. Por ello hoy tienen diez canciones, y sin embargo hay conciencia de que nos quedamos muy cortos. Inevitablemente vendrán nuevas entregas.

Nos concentramos en artistas y canciones de la música anglosajona: Estados Unidos e Inglaterra, los dos países que encabezaron esta revolución musical. Pero prometo también entregas futuras sobre la poderosa balada italiana -con sus festivales, en especial San Remo, y su merecidamente orgullosa lista de grandes intérpretes y compositores, como Mina, Ornella Vanoni, Doménico Modugno, Gianni Morandi, Milva, Bobby Solo, Pino Donaggio-, la francesa –Jacques Brel, Edith Piaf, Gilbert Becaud, France Gall, Barbara, Francoise Hardy, Claude Francois- o la balada en español, con amplia variedad de cantantes y países a considerar. 

Finalmente: algunas de las versiones de las diez canciones seleccionadas muestran a artistas de hoy, jóvenes cantantes de mérito, rindiendo homenaje a sus mayores, los que iluminaron una nueva e inagotable senda expresiva en lo musical: Katie Melua, Eva Cassidy, Joss Stone, Diana Krall, Sara Bareilles. 

Marcos Villasmil / América 2.1

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 1) LET’S TWIST AGAIN: CHUBBY CHECKER 

2) DOWNTOWN: PETULA CLARK / FRANK SINATRA

Petula Clark, nacida en Ewell, Inglaterra, el 15 de noviembre de 1932, fue una auténtica niña prodigio del cine y la canción de Inglaterra, así como una de las más famosas cantantes de los años 60, en especial por canciones como «Downtown«, «I Know a Place,» «My Love,»  y «Don’t Sleep in the Subway«. Con más de 70 millones de discos vendidos alrededor del mundo, se ha convertido en la artista británica más prolífica, según se registra en el Libro Guinness de récords mundiales.

Musicalmente su gran éxito es el tema «Downtown», del compositor Tony Hatch, single que se colocó en el nº1 en el Reino Unido y en Estados Unidos. Esta canción fue también grabada por Frank Sinatra y la versión de Clark se puede oír al inicio de la tercera temporada de la serie Lost, así como también en la banda sonora de dicha serie. También tuvo un segundo número uno en Estados Unidos en 1966 con la canción «My Love».

Petula Clark, cantando «Downtown»: 

Y ahora, la versión de Frank Sinatra:

3) BLOWIN’ IN THE WIND: BOB DYLAN / KATIE MELUA

«Blowin’ in the Wind» —en español: «Soplando en el viento»— es una canción compuesta por el todavía hoy prolífico Bob Dylan, publicada en el álbum  The Freewheelin’ Bob Dylan en 1963. Ha sido descrita como una canción de protesta, porque ofrece una serie de preguntas sobre temas como la paz, la guerra y la libertad. Eso sí, después de cincuenta años, todavía hay gente que le busca sentidos e interpretaciones novedosas que el propio autor desde el comienzo desestimó. 

En 1994, la canción fue incluida en el Salón de la Fama de los Grammy. En 2004, fue elegida en el puesto 14 entre las mejores canciones de todos los tiempos según la revista Rolling Stone.

El original, de Bob Dylan (reconozcamos que el hombre es mejor compositor que cantante):

Dylan escribió originalmente la canción y la interpretó como una canción de dos estrofas. Su primera aparición en público tuvo lugar el 16 de abril de 1962. Poco después de esta actuación, Dylan agregó una nueva estrofa. La canción fue publicada por primera vez en mayo de 1962 en el sexto volumen de Broadside, una revista fundada por Pete Seeger y dedicada a canciones folk.

«Blowin’ in the Wind» ha sido descrita como un himno del movimiento por los derechos civiles de la década de 1960. En el documental de Martin Scorsese  No Direction Home, Mavis Staples expresó su asombro al escuchar por primera vez la canción, y dijo que no podía entender cómo un hombre blanco podía escribir algo que capturaba la frustración y las aspiraciones de la gente negra de forma tan poderosa.

Ketevan «Katie» Melua es una cantante originaria de Georgia nacionalizada británica. Con 15 años ganó un concurso de talentos en el canal de TV británico ITV. Fue descubierta por el compositor Mike Batt en 2003 mientras estudiaba en la BRIT School for Performing Arts & Technology. Batt buscaba una vocalista capaz de interpretar Jazz y Blues en su futura banda.

Se convirtió en la artista femenina que más discos vendió en 2004 en Reino Unido, y su éxito continúa. La oímos entonces con su versión de la canción:

4) THE SOUND OF SILENCE: SIMON AND GARFUNKEL / GREGORIAN

Es bien sabido que Simon y Garfunkel es el dúo de cantantes masculinos más popular de los sesenta.  Algunas de sus canciones más clásicas son «The Sound of Silence» («El sonido del silencio»), «Mrs. Robinson» y «Bridge Over Troubled Water» («Puente sobre agua turbulenta»). Además, han recibido varios Grammys y están en el Rock and Roll Hall of Fame.

Sound of Silence fue escrita el 19 de febrero de 1964 por Paul Simon, tras el asesinato de John F. Kennedy el 22 de noviembre del año anterior, como un intento de expresar el sentimiento popular tras el desafortunado suceso.

La canción, cantada por ambos miembros del grupo y acompañada en la guitarra por Simon, fue originalmente grabada como una pieza acústica de su primer álbum, Wednesday Morning, 3 A.M., pero posteriormente fue retocada con instrumentos eléctricos, y reeditada como sencillo en septiembre de 1965, el cual llegaría a alcanzar el número uno de las listas americanas el día de Año Nuevo de 1966. Esta versión se incluyó en el álbum Sounds of Silence.

Ha formado parte de la banda sonora de las películas El Graduado (1968) y Watchmen (2009), así como en la película Bobby, de Emilio Estévez (2005), que trata sobre las últimas horas del senador Robert F. Kennedy y su asesinato en 1967.

El tema ocupa el puesto 156 de la lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos, según la revista Rolling Stone.

Gregorian es una banda musical alemana liderada por Frank Peterson, que se caracteriza por desarrollar cantos gregorianos inspirados en canciones modernas de pop y rock, destacando conjuntamente el acompañamiento instrumental y la armonía vocal. Al contrario que Enigma, que utiliza casi exclusivamente cantos litúrgicos originales, el original concepto de Gregorian consiste en emplear el estilo del canto gregoriano como base para la reinterpretación de canciones pop y rock memorables. Gregorian y «The Sound of Silence«:

5) A WHITER SHADE OF PALE: PROCOL HARUM / ANNIE LENNOX

«A Whiter Shade of Pale« título tradicionalmente traducido al castellano como Con su blanca palidez es una canción de la banda británica Procol Harum. El sencillo fue número uno en UK Singles Chart el 8 de junio de 1967 y estuvo seis semanas en el ránking. La canción fue compuesta por Gary Brooker, Keith Reid y Matthew Fisher. Su éxito fue mundial. Todas las carteleras del mundo se rindieron a sus pies. Lo cierto es que existen más de 700 versiones conocidas, y está entre las canciones favoritas de muchos cineastas a la hora de escoger música para sus largometrajes. 

La original:

Esta canción es un ejemplo perfecto de la experimentación musical de los sesenta, tanto en música como en letra.  Al igual que Blowin’ in the Wind -quizá más- desde su línea inicial “We skipped the light fandango”,  y probablemente debido al tono melancólico de la melodía, la canción ha sido sometida a todo tipo de análisis, llegando incluso algún excéntrico a rastrear supuestas influencias en Milton y Shakespeare. Otros, en materia de melodía, han afirmado conseguir influencias evidentes de Bach. Gary Brooker no lo negó, al contrario: reconocía su admiración por el gran músico barroco, citando entre sus obras favoritas el muy popular y conocido “Aire en la cuerda de Sol.« (Al parecer, la primera obra de Bach en ser grabada.) Puedes escucharla aquí:

Keith Reid afirmaría, años después, que es una historia de seducción, de una seducción llena de tristeza. Según Reid, al momento de escribirla,  había estado viendo películas como Pierrot le Fou y El año pasado en Marienbad.  Ello explicaría, según él, el tono «existencialmente melancólico» de la canción.

Ahora bien, la cosa no se quedó allí: casi 40 años después de su aparición, el organista del grupo, Matthew Fisher, introdujo una demanda en los tribunales exigiendo una parte de las regalías. Según él, era parcialmente responsable de la melodía. Fisher admitía la influencia de Bach, pero cambiando la obra de inspiración: sería una famosa cantata llamada «El despertar de los durmientes» (BW 140).   De allí, influencias van, recuerdos vienen, y los únicos ganadores fueron los abogados. 

Por fin, en el 2009, la Cámara de los Lores (por eso lo digo, los únicos ganadores los abogados, que se las arreglaron en llevar el litigio a todas las instancias superiores posibles), sentenció a favor del organista, quien desde entonces tiene derecho a su parte en los beneficios. Pocas canciones pop pueden jactarse de un pasado tan rico y accidentado.

Al final, que cada quien entienda los versos y los interprete a su respectiva y plural manera…

Gracias al buen amigo, gran pana y experto de verdad en música pop,  Andrés Perdomo, conocí esta hermosa versión grabada por Procol Harum en concierto en Dinamarca (2006), con arreglo que incluye orquesta sinfónica y coros:

Por último, escuchemos también esta buena versión de la cantante británica Annie Lennox:

6) BOTH SIDES NOW:  JONI MITCHELL /  JUDY COLLINS

Joni Mitchell, de nombre original  Roberta Joan Anderson, nació en Alberta (Canadá) y  es uno de los mejores compositores de los sesenta. Sin duda. En cualquier liga, aguanta a pie firme las comparaciones. Su música ha evolucionado de manera paulatina, y ella se ha recreado exitosamente con el tiempo. Si se me pidiera un listado de grandes entre los grandes de los sesenta, sin dudarlo incluiría a Joni Mitchell. 

Mitchell puede ser considerada una «música de los músicos»; su obra ha tenido una enorme influencia en una gran cantidad de artistas; no sólo ha influenciado a cantautores similares como Sheryl Crow y Shawn Colvin, sino a un número importante de artistas en diversos géneros, como Pink Floyd, Led Zeppelin, K.D. Lang, Elvis Costello y Prince.

Mitchell fue añadida al Canadian Music Hall of Fame («Salón de la Fama de la Música Canadiense«) en 1981 y en Estados Unidos en el Rock and Roll Hall of Fame (o «Salón de la Fama del Rock and Roll«) en 1997. En 1995 recibió el «Century Award» de Billboard. El primero de mayo de 2002 recibió el nivel Companion de la Order of Canada («Orden de Canadá«). También recibió el premio «Grammy Lifetime Achievement Award» en 2002, acompañado de una mención que la describía como «una de las artistas femeninas más importantes de la era del rock» y «una poderosa influencia en todos los artistas que adoptan las ideas de diversidad, imaginación e integridad.»

«Both Sides, Now» es una de sus canciones más emblemáticas y más conocidas junto a «Big Yellow Taxi«, «Chelsea Morning», «Woodstock«, y «A Case of You«. Escrita en marzo de 1967, fue inspirada en la novela del escritor canadiense y Premio Nobel de Literatura Saul Bellow, Henderson the Rain King. Para la revista Rolling Stone  «Both Sides, Now» ocupa el puesto #171 en su lista de las 500 Mejores canciones de todos los tiempos. 

Joni escribe la canción cuando se encontraba en la cúspide de su carrera. Es de esas canciones que siempre producen nuevas versiones, desde Bing Crosby hasta la reciente de Carly Rae Jepsen, pasando por Doris Day, Pete Seeger, Nana Mouskori, Marie Laforet, Glenn Campbell, Lara Fabian, Herbie Hancock, Frank Sinatra o Fairport Convention. 

Desde su aparición hubo la intuición, confirmada en el tiempo, de que se estaba ante una de las más hermosas letras de los sesenta; la fuerza y el impacto de la canción en buena medida derivan de lo que Joni Mitchell, en una entrevista afirmó: «es una meditación sobre lo físico y lo espiritual, sobre la fragilidad humana, el paso de la juventud a la adultez, y como el mundo se ve de manera diferente a medida que se madura.»

Joni Mitchell y «Both Sides Now»:

JUDY COLLINS, nacida el 1 de mayo de 1939 en Seattle, estado de Washington, EUA, empezó a actuar en público a los 13 años, pero no como cantante, sino como pianista. Subió a su primer escenario para tocar un concierto para piano de Mozart.

Ella fue quien grabó la canción por primera vez, poco tiempo después de que Mitchell la compusiera, y la incluyó en su disco de 1967, Wildflowers. En 1969 ganó el Premio Grammy por mejor canción de música folk.

¿Qué puede decirse de Judy Collins? Ella es una de las figuras de mayor relieve del movimiento musical americano folk de los años sesenta junto a Bob Dylan y Joan Baez. Judy descubrió la música folk durante su adolescencia y decidió abandonar el piano en favor de la guitarra, cuando ya parecía destinada a una  carrera como concertista clásica.

Algunas de sus interpretaciones (el ‘Both Sides Now’ de Joni Mitchell, el tradicional ‘Amazing Grace’, el ‘Send in the Clowns‘ de Stephen Sondheim, su versión de «In My Life«, de The Beatles… y tantas otras) nos han acompañado desde los 60.

Miss Judy blue eyes, como la apodó el guitarrista Stephen Stills (del grupo «Crosby, Stills, Nash & Young»), es una presencia perenne para mi generación, la que pasó su adolescencia oyendo la música de los sesenta. Quienes hayan oído la ‘Suite: Judy Blue Eyes’ de Crosby, Stills & Nash ya saben de qué ojos azules hablaba Stephen Stills, que estuvo prendado de ella durante bastante tiempo. Y dentro del terreno de las anécdotas: la primera persona que escuchó ‘Suzanne’ de Leonard Cohen fue ella. Nada más acabar de componer la canción, Cohen se metió en una cabina telefónica, llamó a Judy y se la cantó. Ella hizo algo más que decirle que era maravillosa: la hizo suya, la grabó y contribuyó a la fama de aquel entonces joven y prometedor poeta y compositor canadiense.

Judy Collins cantando «Both Sides Now.»

7) CALIFORNIA DREAMIN’: THE MAMAS & THE PAPAS / DIANA KRALL

Aparentemente vivir en California no es tan terrible como dicen sus críticos; el compositor y líder del cuarteto The Mamas & the Papas, John Phillips (como ya se decía arriba, creador también de otra gran canción de los sesenta, «San Francisco«)  y su esposa Michelle Phillips, escribieron en su homenaje una de las más hermosas baladas pop de la historia, y una de las canciones más representativas de los sesenta.

The Mamas & the Papas  fue un grupo vocal muy prominente en la década de 1960. Fue uno de los grupos estandartes del Folk Pop californiano y uno de los pocos grupos estadounidenses que mantuvieron su éxito durante la invasión británica junto a The Beach Boys y The Byrds. El grupo hizo grabaciones y actuó desde 1965 a 1968; produciendo cinco álbumes y diez éxitos en las carteleras musicales; aunque estuvieron un corto tiempo en la cima de la música, dejaron una masa seguidora constante y fiel.

John Phillips, Cass Elliot, Denny Doherty y Michelle Phillips formaron este cuarteto, que lamentablemente duró poco por la infidelidad de Michelle -esposa de John, pero amante secreta de Denny- y por los deseos de Mama Cass Elliot de lanzar su carrera como solista. Tuvo una carrera muy prometedora, pero interrumpida por su muerte en 1974, debido a un infarto.

En 1998, el grupo ingresó en el Salón de la Fama del Rock and Roll. Otros de sus éxitos son «Monday, Monday» (no por casualidad el nombre de esta sección), «Go where you wanna go», «Twelve Thirty», «Dedicated to the One I Love«, «I saw her again». 

The Mamas & the Papas interpretando «California Dreamin’: 

Debido a su popularidad, esta canción ha sido grabada por numerosos artistas del medio. Entre ellos están; José Feliciano (lado B de su sencillo «Light My Fire« de 1968), The Beach Boys (dos versiones),  The Carpenters, The Four Tops, Bobby Womack, Queen Latifah, Melanie Safka, George Benson, John Phillips (como solista) y Mocedades. El cantante argentino Sergio Denis grabó una versión del tema en el año 1981 titulada «California somnolienta» (!!!!). También puede oírse en el soundtrack de algunas películas, como «Forrest Gump», y es casi coprotagonista de la película del director y guionista chino Kar Wai Wong «Chunking Express.»

Aquí tenemos una versión muy interesante, de la cantante y pianista canadiense de jazz Diana Krall (considerada por la revista Billboard la artista de jazz número uno del mundo entre 2000 y 2010. En 1999 obtuvo su primer disco de platino por las ventas millonarias de su álbum When I Look In Your Eyes y su primer premio Grammy):

8)  THE SON OF A PREACHER MAN: DUSTY SPRINGFIELD / JOSS STONE

Son of a Preacher Man es una canción grabada por Dusty Springfield en 1968, incluida en su álbum Dusty in Memphis.

Escrita por John Hurley y Ronnie Wilkins, el tema fue inicialmente ofrecido a Aretha Franklin, quien no aceptó la oferta. Fue tras escuchar la canción de Dusty Springfield, que Aretha Franklin decidió grabar su propia versión dos años después. El éxito alcanzado por entonces por la grabación de Springfield no fue logrado por la versión de Aretha.

Dusty Springfield, o Mary Isabel Catherine Bernadette O’Brien, OBE (Hampstead, Londres, Inglaterra, 16 de abril de 1939 – Henley-on-Thames, Oxfordshire, Inglaterra, 2 de marzo de 1999)  fue una cantante británica de pop soul, y una de las voces más fácilmente reconocibles de los sesenta.

Ella colocó en los primeros puestos de las listas de éxitos canciones como «You Don’t Have to Say You Love Me», (versión de la canción italiana «Io che non vivo senza te») que alcanzó el número uno en el Reino Unido y que se mantuvo en el top ten durante 13 semanas seguidas. Otros singles emblemáticos de este periodo fueron «Sunny», «Losing You» o «The Look of Love», canción compuesta por Burt Bacharach y Hal David y que fue el tema principal de la banda sonora de la película Casino Royale.  

Pocos días después de su muerte (en 1999, por cáncer), entraría de manera póstuma en el Rock and Roll Hall of Fame en una ceremonia en Nueva York. Durante el mismo año, la Reina Isabel II de Inglaterra le concedió la Orden del Imperio Británico.

Dusty y «The son of a preacher man«:

Joscelyn Eve Stoker, más conocida por su nombre artístico Joss Stone, es una destacada cantante y compositora inglesa de soul, R&B y blues, famosa por su expresiva, poderosa y emotiva voz. Saltó a la fama después de la edición de su disco debut multi-platino y nominado al Premio Mercury, The Soul Sessions, de 2003, grabado mientras contaba con tan sólo 16 años, y que consiste en versiones de canciones de algunas de sus más importantes influencias musicales.

Stone ha vendido más de once millones de copias a nivel mundial, lo que la convierte en una de las cantantes más exitosas de su generación. Es la artista británica más joven en recibir un Brit Award, así como en tener un álbum número uno en el Reino Unido. El compositor y productor discográfico de soul y R&B, Smokey Robinson, impresionado al conocerla, la llegó a rebautizar como «Aretha Joplin», en referencia a las grandes cantantes de soul y blues de fines de los sesenta, Aretha Franklin y Janis Joplin. Su talento ha sido reconocido por la industria discográfica estadounidense e inglesa con variadas nominaciones, dos premios Brit Awards y un Premio Grammy.

Joss Stone cantando «The son of a preacher man.«

9) (SITTING ON) THE DOCK OF THE BAY:  OTIS REDDING / SARA BAREILLES

En 1967 el cantautor norteamericano Otis Redding (1941-1967), compuso con la colaboración del productor y guitarrista Steve Cropper “(Sittin’ On) The Dock of the Bay”,una canción soul, grabada por Redding en 1967 y lanzada el año 1968, un mes después de su trágica muerte. Algunos afirman que era un canto resignado después del llamado «Summer of Love», el verano de 1967. Es una de las canciones inmortales del Rhythm & Blues. 

Otis Redding fue un cantante correctamente apodado «King Of Soul», en reconocimiento a su habilidad para transmitir emociones a través de su voz. En 1989 fue incluido en el Salón de la Fama del Rock (género musical que también interpretaba magistralmente). Murió a los 26 años en un accidente aéreo.

Oigámoslo una vez más:

La popularidad de “(Sittin’ On) The Dock of the Bay”, la ha convertido en un tema muy versionado, por cantantes como Charly García, Percy Sledge, Willie Nelson, Michael Bolton, o Pearl Jam. Ocupa el vigésimo octavo puesto en la lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos según la revista Rolling Stone.

Sara Bareilles es una cantante, pianista y compositora estadounidense de origen portugués que se dio a conocer internacionalmente en 2008 gracias a su éxito «Love Song». En 2010 salió a la venta su disco Kaleidoscope Heart. Ella ha vendido más de 1 millón de discos y más de 4 millones de sencillos en los Estados Unidos y ha sido nominada a los Grammy en tres ocasiones.

Es a menudo comparada con artistas como Fiona Apple, Billy Joel, Joni Mitchell y Norah Jones debido a su capacidad vocal y a ser ejecutante del piano en su música.

Veámosla en concierto, en una buena versión de «(Sitting on) the top of the Bay«: 

10) CHAIN OF FOOLS: ARETHA FRANKLIN / EVA CASSIDY

«Chain of Fools» es una canción escrita por Don Covay. Aretha Franklin la cantó como single en 1967, y luego la incluiría en otros de sus discos.

La historia es que Jerry Wexler, productor de Atlantic Records, le pidió a Covay que le escribiera una canción a Otis Redding. Covay grabó un demo de «Chain of Fools», una canción que él había compuesto de joven, cuando cantaba gospel con sus hermanos. Al oír el demo, Wexler tomó la decisión correcta: le dio la canción a Aretha Franklin. 

Aretha Louise Franklin (nacida en Memphis, el 25 de marzo de 1942) es una cantante justamente apodada «Lady Soul» (la Dama del Soul) o «Queen of soul» (la Reina del Soul). Es asimismo una de las artistas más influyentes en la música contemporánea, ostentando el puesto número uno de la lista de Los 100 cantantes más grandes de todos los tiempos de la revista Rolling Stone. A mediados de la década de 1960 se consolidó como estrella femenina del soul, algo que usó en favor de los derechos raciales en Estados Unidos, siendo un elemento influyente dentro del movimiento racial. En 1987, Franklin se convierte en la primera mujer en entrar en el Rock and Roll Hall of Fame.

La canción llegó al primer lugar en la lista de R&B, y a número dos en la lista pop en enero de 1968. Aretha Franklin obtuvo el premio Grammy a mejor cantante femenina de R&B. En el 2004, la canción fue colocada en el puesto 249 en la ya varias veces mencionada lista de Rolling Stone de las 500 Mejores Canciones de la historia. 

Aretha Franklin cantando «Chain of Fools»:

Eva Marie Cassidy (Oxon Hill, Washington DC, 2 de febrero de 1963 – Bowie, Maryland, 2 de noviembre de 1996) fue una cantante de jazz y soul. Lamentablemente falleció de cáncer apenas cumplidos los 33 años. Admiradora de Aretha Franklin, Ella Fitzgerald y Linda Ronstadt, su estilo melódico se ha comparado con el de Nancy Wilson y cuenta con admiradores declarados como Roberta Flack, Shirley Horn, Sting, Mick Fleetwood, Chris de Burgh y Paul McCartney. En poco tiempo y pocos discos dejó una marca imborrable, con innumerables seguidores que la recuerdan. La razón la tienen abajo. Eva Cassidy interpretando una excelente versión de «Chain of Fools».