Seis películas de 1973 que usted no se puede perder

Resulta muy importante revisar lo que sucedió hace cinco decenios, es decir, en aquellos años 70 en que terminó de consolidarse lo que hoy se ha llamado cine moderno y contemporáneo, años muy ricos en nuevas propuestas cinematográficas y por tanto apreciar algunas de las más importantes y destacadas realizaciones, en este caso las realizadas en Hollywood. De las correspondientes al año 1973, que son muchas, se han escogido con los siguientes criterios: calidad de la película como tal, tanto su temática como tratamiento fílmico; la trascendencia e importancia adquirida en su transcurrir histórico; el director, si ya era famoso o si saltó a la fama con dicha película; premios obtenidos, que, aunque sólo son un punto de referencia, siempre inciden en su posterior promoción; el tema o la corriente fílmica que representa la película y su director; y por último, los efectos e influencias de la película. Están ordenadas según su fecha de estreno).

El golpe. George Roy Hill (Estreno 28 de abril)

Luego del inmenso éxito de público y con cuatro premios Óscar que obtuvo Butch Cassidy and the Sundance Kid de 1969, protagonizado por Paul Newman y Robert Redford, una película entre comedia y burlesco al western y a la persecución de pistoleros, de nuevo se vuelven a reunir este par de talentosos intérpretes y bajo la conducción del mismo director, en esta oportunidad para la puesta en escena y filmación del relato de una estafa a un peligroso y poderoso mafioso, enmarcado en los años treinta, en plena depresión estadounidense.

Un guion muy original, uno de los siete premios Óscar con que se alzó, relata con mucha intriga y suspenso esta intrépida aventura, en la que el espectador cada vez está más involucrado con los datos que ha recibido y, lo más importante, con la que no se le ha presentado, logrando así una especial unidad, que pocas veces se consigue, entre música (Óscar a banda sonora), actuación, narración y puesta en escena (Óscar a mejor dirección artística y a mejor vestuario). Todos estos factores contribuyeron a su merecido triunfo en el público; recaudó 160 millones de dólares sobre un costo de cinco millones y medio, además de innumerables premios y de convertirse, con el paso del tiempo, en una película clásica y de reconocido valor como relato fílmico.

Luna de papel. Peter Bogdanovich (Estreno 9 de mayo)

Un director muy especial y reconocido que venía de realizar en 1971 La última película, uno de sus trabajos más célebres, de nuevo triunfó con esta producción, otro de sus conocidos éxitos. Esta es una emotiva y entretenida comedia, ambientada en los años de gran depresión, al igual que El golpe, aunque con argumentos y variantes bien diferentes, sobre la vida de un pequeño estafador, interpretado por Ryan O’Neal, con la actuación de su hija Tatum O’Neal, quien por este papel recibió el Óscar a mejor actriz secundaria a la edad de 10 años, convirtiéndose en la persona más joven en ganar este codiciado premio. Luna de papel es una narración con mucha de calidez y emotividad, sin extremos, en tono de comedia permanente, con escenas divertidas y bien escenificadas, que se han hecho memorables, como la secuencia de los 20 dólares con que estafan a la cajera de una tienda.

La gran depresión es una época que ha sido una fuente inagotable de muchas producciones de Hollywood, por lo general asociadas con gángsteres y mafia, cine de policías y ladrones. Por tanto, esta cinta es muy refrescante en ese sentido, al plantear algo novedoso, como este estafador de poca monta, tratando de sobrevivir con la hija de una ex-amante. Una filmación con largas escenas y planos secuencias, un estilo muy de este director, aprendido directamente de su amigo Orson Welles, quien estuvo en el rodaje y asesoría de esta película.

Serpico. Sidney Lumet (Estreno 12 de mayo)

La película inicialmente la iba a dirigir John Avildsen, el director de Rocky y de la saga de Karate kid, pero por su problemática personalidad fue despedido, igual que lo fue de Fiebre de sábado por la noche. Por tanto, se llamó en su reemplazo a Sidney Lumet, un director muy apto para el carácter de la película, no solo por el lado policíaco sino por el tono de denuncia. Como protagonista estuvo Al Pacino, en una de sus más brillantes interpretaciones con la que ganó el Globo de oro y fue nominado al Óscar como mejor actor. El guion es la adaptación del libro biográfico del escritor Peter Maas sobre la vida real del agente de policía Frank Serpico, que enfrentó la corrupción policial con sus valientes denuncias y que condujo a investigaciones más profundas dentro de la policía.
La realización fue un gran éxito en el público. Aunque no era la primera vez que en cine se trataba sobre este espinoso tema de la corrupción en la institución policial, la diferencia la establecía el hecho de que tuvo una gran audiencia. Ese es uno de sus principales méritos y su forma descarnada de la presentación de los hechos, uno de los motivos por lo que tuvo tan favorable acogida. Significó por aquellos años un nuevo derrotero en las realizaciones sobre temas policíacos, ya que la tajante y acostumbrada división entre ladrones y policías había quedado bastante desdibujada, lo cual sería tema para muchas más realizaciones afines.

El nombre de su director está directamente asociado con inmensas y gigantescas producciones taquilleras, sagas de gran éxito internacional como son la mítica y popular Star Wars, dirigida y producida por él mismo, y la de Indiana Jones, producida por Lucas y dirigida por Steven Spielberg, el otro famoso director y empresario. George Lucas es uno de los directores de cine más exitosos e influyentes en la todopoderosa industria del cine estadounidense, que ya es mucho decir, entre otras por el hecho de que varias de sus películas se encuentran entre las de mayor recaudación, al igual que en la producción de sus videojuegos.

Sin embargo, unos años antes de su meteórica y productiva carrera con Star wars era un desconocido director que en 1971 logró que Universal Pictures le financiara el proyecto American graffiti que todos los demás grandes estudios habían rechazado. Era un relato con sabor autobiográfico sobre una noche en la vida de unos adolescentes, que describe el medio sociocultural en que crecían, sus vivencias ante el despertar sexual, así como los patrones de conducta establecidos a comienzos de los años 60 y la generación del rock’n roll. Aquella problemática juvenil trasladada a la pantalla grande tuvo un impresionante éxito de público. Con un presupuesto que no llegaba al millón de dólares, recaudó más de 200 millones. Además contó con la actuación de otros desconocidos jóvenes actores: Richard Dreyfuss y Harrison Ford.

Papillon. Franklin Schaffner (Estreno 19 de diciembre)

Basada en hechos reales, la cinta recrea en detalle los hechos narrados en el autobiográfico libro escrito por Henri Charriére, quien vivió una serie de eventos y aventuras dramáticas desde el momento en que es acusado y condenado por un crimen que no cometió, y luego con su reclusión en las colonias penitenciarias de la Guayana francesa, sus escapes y recapturas. Una novela que básicamente relata sus memorias sobre el trato inhumano que reciben estos presidiarios. En ese sentido es una voz que se alza y denuncia este régimen.  A su vez, presenta el carácter más emotivo y principal del relato, un ser humano que se resiste a todo ello, con una fuerza interior muy especial que siempre consigue escapar y luchar por su libertad.

En la adaptación fílmica participaron dos guionistas. Uno de ellos fue Dalton Trumbo, del grupo denominado los Diez de Hollywood, como se conocieron a las víctimas de esa página negra de la democracia estadounidense, cuando el macarthysmo se ensañó en perseguir a miembros de Hollywood por sus ideas políticas. Uno de los más perjudicados en su vida laboral fue Trumbo, quien ganó dos premios Óscar bajo seudónimo, única forma de esquivar el veto impuesto. Por tanto, el guion hace hincapié en lo que significa ser perseguido por una causa injusta y en todo lo que de por sí va contra la dignidad humana y la lucha del individuo que nunca se doblegó ante las adversas y difíciles situaciones que tuvo que vivir. La puesta en escena y dirección general estuvo a cargo de Franklin Schaffner, quien había dirigido El planeta de los simios (1968) y venía de ganar un Óscar por Patton (1970).

El exorcista. William Friedkin (Estreno 26 de diciembre)

Esta producción rápidamente se convirtió en un clásico y modelo en su género. Es una de las mejores y más aterradoras películas de la historia del cine y se rodó mucho antes de que el llamado cine de terror se convirtiera en un registro directo de violencia gratuita, escenas de descuartizamientos y de torturas sin fin. El guion, ganador del premio Óscar a mejor guion adaptado, fue realizado por William Peter Blatty, el autor de la novela, quien la había publicado dos años antes siendo un éxito total de librería. Él había dicho que se inspiró en un hecho real de un niño poseído a quien le hicieron varios exorcismos. En la película el papel lo interpreta Linda Blair, una niña que comienza a tener extrañas actitudes y cambios físicos, por ello su madre (caracterizada por la actriz Ellen Burstyn) acude a un veterano exorcista.

Así se desarrolla toda una particular trama entre el bien y el mal, que se denominó con el paso del tiempo “terror religioso”, que le agregó al simple cine de terror (especie de catarsis en el que todo espectador es confrontado con sus miedos más profundos a la muerte y a lo sobrenatural) un componente de índole religiosa, con la presencia directa o implícita de Satanás, un símbolo del mal, de lo oscuro, de lo desconocido en su fuente primigenia, que aterroriza por sí mismo. Lo más impresionante del film es su puesta en escena y sus particulares planos, en los que director y camarógrafo desarrollaron un gran trabajo para lograr que la imagen explique todo, además de la encomiable labor de maquillaje, profesión esta que empezaría a tener más valor y desarrollo en la industria del cine, con la cual se lograron los impactantes efectos que tanto impresionaron al público de aquel entonces.